0512 47-75-71

г. Николаев, ул. Московская, 39

показать на карте
Главная  >>  Полезные советы  >>  Акварельная техника живописи
ПОЛЕЗНЫЕ СОВЕТЫ

Акварельные техники живописи

Акварель - это водяные краски. Но акварелью также называют и технику живописи, и отдельное произведение, выполненное акварельными красками. Основное качество акварели - прозрачность и мягкость красочного слоя. Французский художник Эжен Делакруа писал: «То, что даёт тонкость и блеск живописи на белой бумаге, без сомнения, есть прозрачность, заключающаяся в существе белой бумаги. Свет, пронизывающий нанесённую на белую поверхность краску, - даже в самых густых тенях - создаёт блеск и особую светимость акварели. Прелесть этой живописи ещё и в мягкости, естественности переходов одного цвета в другой, безграничном разнообразии тончайших оттенков».

Однако, кажущиеся простота и легкость с какой художник-профессионал создаёт картины в этой технике, обманчива. Акварельная живопись требует мастерства владения кистью, умения безошибочно положить на поверхность краску - от широкой смелой заливки до чёткого завершающего мазка. При этом необходимо знать, как краски ведут себя на различных видах бумаги, какой эффект дают при наложении друг на друга, какими красками можно писать по сырой бумаге в технике Алла Прима, чтобы они остались сочными и насыщенными. В изобразительном искусстве акварель занимает особое место потому, что ею можно создавать и живописные, и графические, и декоративные произведения - в зависимости от задач, которые ставит перед собой художник. Для художника, занимающегося акварельной живописью, немаловажную роль играют как сами краски, так и удобство их использования. Широки возможности акварели: цвета то сочны и звонки, то воздушны, едва уловимы, то плотны и напряженны. Акварелист должен обладать развитым чувством цвета, знать возможности различных сортов бумаги и особенности акварельных красок.

Художественные акварельные краски изготавливаются на основе пигментов высокого класса и связующих веществ. Эти краски обладают легкой наполняемостью кисти, повышенной разносимостью и высокой светостойкостью. Они предназначены для профессиональных художников.

Связующим художественных акварельных красок является растительный прозрачный клей – гуммиарабик, легко растворимый водой. Другие виды загустителей включают крахмал, декстрин или разбухающую глину. Акварельные краски содержат также глицерин, что делает их пластичными и предотвращает пересыхание. В акварельные краски вводится и поверхностно-активное вещество - бычья желчь, позволяющая легко разносить краску по бумаге, так как желчь препятствует скатыванию красок в капли. Для предотвращения разрушения красок плесенью в них вводится антисептик.

Особая прозрачность, чистота и яркость цвета достигается не только чистотой применяемых материалов, но и высокой дисперсностью пигментов, получаемой специальным перетиранием порошков. При выборе акварельных красок следует обращать внимание на известных производителей, а также на обозначение светостойкости на тубах или кюветах.
Виды художественных акварельных красок и дополнительных средств.
Художественная акварель выпускается в виде туб или кювет. У каждого вида существует конкретный тип использования. Так, красками в кюветах обычно выполняются небольшие работы, например, на пленэре при выполнении набросков.

Краски в тубах отлично подходят для создания картин большого формата, они практически не пачкаются друг об друга, так как выдавливаются на палитру по мере необходимости. Однако если краски в тубах какое-то время не используются, может произойти отделение пигмента от связующего вещества.

К средствам для акварельной живописи относятся: добавки, смешиваемые с красками или замешиваемые в них, придающие краскам измененные свойства; грунтовки и различные массы, используемые в качестве основы или в качестве промежуточных слоев.


                                                                 Полезные советы

В тех случаях, когда необходима непрозрачность, матовость красок, пользуются смесью акварельных красок с соответствующими гуашевыми или краски разводят на мыльном растворе.

Бумага для работы в акварельной технике должна быть приклеена к жесткой основе. Непосредственно перед работой лицевую сторону бумаги смачивают чистой водой не менее двух раз; второй раз – после того как она высохнет от предыдущего смачивания.

Смешивать краски лучше всего на белом фоне фарфора или эмали.

Перед окраской участка, небольшая часть которого должна остаться белой, ее можно покрыть с помощью кисти резиновым клеем.

Тонкие белые блики можно проводить в акварельных работах белой гуашью или проскребать ножом.

                                                                        О некоторых секретах смешения красок

С незапамятных времен художник в своей практике был вынужден применять знания некоторых законов химии и физики, как это ни показалось бы странным на первый взгляд. В истории искусства достаточно тому свидетельств.
Краски - это, по сути, смеси химических веществ, которые раньше готовили сами художники. Каждый мастер знал секреты растирания пигментов и мог иметь свои оригинальные рецептуры получения красок определенного цвета и качества. Современный художник уже не нуждается в изучении старых или изобретении новых рецептур, но на практике, получая от производителя готовые краски, все-таки должен учитывать некоторые химические и физические особенности пигментов и приготовленных из них красок. Как уже говорилось ранее, первое, очень важное условие - это качество красок, которое зависит от производителя. Второе - понимание художником структуры красок. Необычайно тонкое измельчение пигмента, являющееся критерием качества акварельной краски, не может быть достигнуто в отдельных случаях из-за особенностей химической природы некоторых веществ. Так, общеизвестно, что кобальт синий спектральный и ультрамарин могут давать порошкообразный осадок, тогда как берлинская лазурь (прусская синяя) и кармин от природы коллоидно-растворимые, то есть, растворяясь, они ровно окрашивают воду.

                                                                        Светотень и тепло-холодность


Рассказывая о цветовой гармонии, необходимо сказать о понятии тепло-холодности в живописи. Прежде всего надо уметь видеть тепло-холодность света и тени. Принцип в том, что если вы пишете свет холодным, то тени будут теплыми, и наоборот, если свет - теплый, то тени будут непременно холодными. Например: когда объект освещен солнцем, то свет будет теплым, а тени - холодными; при лунном освещении эффект тот же, но приглушенность отраженного света сильно обедняет цветовую картину и свет приобретает тускло-зеленоватый цвет. Если же мы имеем отраженный от неба свет, то он будет холодным, а тени теплыми. В пасмурную погоду освещение мягкое, рассеянное, и при этом теряется значение рельефной светотени, цвет самого предмета начинает играть большую роль. Если в начале работы грамотно проанализировать ситуацию освещенности, то это станет ключом к созданию богатой живописной гармонии в картине.
С помощью светотени мы не только пишем объем и форму объектов, но и решаем весьма трудную задачу создания свето-воздушной среды, в которой предметы рефлексируют друг с другом. В большинстве случаев тени являются обобщающим фактором для всей картины, помогая вписывать предметы в пространство.

                                                                          Материальность изображаемых предметов


Немалую трудность в живописи акварелью составляет передача материальности изображаемых объектов, особенно если живописец пользуется каким-либо одним заученным техническим приемом. Механичность применения одной манеры письма навевает сравнение с фильтром компьютерной программы, наложенным на фотографию. Такой подход ограничивает творческие возможности в трактовке формы и материальности.
И наоборот, если автор исходит из сути изображаемого объекта, то сама его природа и характер подсказывают оригинальное решение в поиске и применении различных технических приемов. Невозможно одним и тем же приемом передать материальность гладкого шелка и мягкого бархата, блестящего металла и старого дерева, прозрачного стекла и мятой бумаги. Богатство фактур осязаемого мира должно вдохновлять художника на творческие эксперименты.Иллюстрируя вышесказанное, снова приведу пример из своей работы над "Натюрмортом с тыквами". Чтобы написать стакан с водой, я должна была постоянно комбинировать живопись по-мокрому (с помощью увлажнения фрагментов), лессировки и сухую кисть. Казалось бы, я использовала те же приемы, что и ранее, но все оказалось сложнее. Здесь очень много взаимосвязей, которые необходимо было учитывать:
- особенности формы стеклянного стакана, наполненного водой, создающей оптическую игру света,
- в стакане видна горизонтальная поверхность воды, которая "живет" по своим физическим законам,
- стакан стоит на темной деревянной плоскости,
- стекло стакана отражает блики от окна,
- за стаканом воды видна тыква и плотная тень на ее боку,
- побег тыквы, который стоит в стакане и виден нам через линзу воды.
И только учитывая все вышеперечисленные факторы, можно было передать материальность стекла, воды и окружающих предметов.

                                                                          Детализация и обобщение


Старый академический принцип "от целого к частному, от частного к целому" означает, что недопустимо увлекаться разработкой отдельных деталей, забывая о всей работе в целом. Необходимо избегать дробности, тогда ваша акварель не рассыплется на мозаику из отдельных кусочков.
В работе над материальностью и деталями проявляются наблюдательность, терпеливость мастера и его художественный вкус. Начало в акварельной живописи почти всегда бывает легким, красивым, интригующим. Вам кажется, что краска подчиняется вашей воле, вы "держите пятно", владеете формой, и все у вас получается. Но наступает период работы над деталями. Это, пожалуй, самый увлекательный и в тоже время сложный процесс, когда необходимо постоянно контролировать себя, чтобы не забывать о целостном восприятии всей работы. Чувство меры - очень важное качество для художника. Чрезмерное увлечение деталями может стать губительным на завершающем этапе. Чтобы избежать излишней детализации, надо найти в себе достаточно смелости, жертвуя, возможно, даже очень красивыми кусками, двигаться по пути больших обобщений к завершению работы. Важно всегда помнить, что вы пишете не объект, а его образ. Этот заключительный момент в живописи должен быть не менее эмоциональным, чем начало работы. 

                                                                            Последовательность ведения работы


Неопытный художник часто задается вопросом: с чего лучше начать писать акварель, с фона или изображения предметов, с первого плана или со второго? Если в работе решается проблема пространства, то неизбежно придется выстраивать изображение в свето-воздушной перспективе, используя изобразительные планы. Наиболее наглядный пример - это ландшафтная живопись. Обычно в пейзаже работа начинается с живописи третьего, дальнего, плана, и тогда пишется небо, плавно переходящее через линию горизонта к земле, ко второму плану. Затем разрабатывается тонально насыщенный первый план, и начинается работа над деталями.
В портрете работа обычно начинается с главного - с живописи головы. Затем постепенно переходит к разработке фона.
В натюрморте можно начать с темного фона, то есть третьего плана, затем вписывать в него предметы. Однако вопрос первоочередности становится решающим для качества работы, если изображаются объекты живой природы, жизнь которых быстротечна и изменчива. Это может быть бутон лилии, раскрывающийся на ваших глазах, цветы и листья, которые быстро увядают, или свежая плоть разломленного персика, теряющая свою сочность. Если вы не успеете написать что-то важное с натуры, то потом даже фотография, сделанная в качестве шпаргалки, не сможет вернуть очарования и свежести первого эмоционального восприятия. Только хорошая зрительная память, знание объекта изображения и накопленный опыт смогут помочь художнику в такой ситуации.

                                                                              Так в чем же кроется «тайна» акварели?


Есть ли на самом деле «секреты», о которых часто спрашивают любители и поклонники этой дивной техники?
Предприняв попытку короткого экскурса в историю акварельной живописи, хотелось бы показать, что теоретические знания техники сами по себе очень важны, но не являются какими-то особыми секретами, известными только избранным профессионалам, совсем другое дело - умение комбинировать эти знания на основе личного опыта.
Как удается виртуозно написать сложнейшую работу в короткое время?
Можно часами сидеть перед завершенной работой, пытаясь понять, как родилась та или иная удача. Ясно, что успех кроется не в простом наборе технических достижений. Иногда бывает невозможно повторить собственные удачи.
Опытный художник не  случайно одухотворяет технику акварели, находясь в диалоге с ней и сравнивая ее со стихией, которую приходится покорять. Для  художника высшим наслаждением в работе является достижение «единения» с техникой. Когда начинаешь жить в ее пространстве, чувствовать ее, только тогда удаются самые немыслимые затеи и все приходит, кажется, само собой - и неожиданные решения, и необычные приемы. Начиная сеанс живописи, стремитесь  сознанием проникнуть в «живописное тесто», потому что в начале работы происходит самое сложное: закладываются тональные, цветовые отношения. Именно в этот момент необходимо особенно тонко чувствовать и контролировать влажность на всем пространстве рабочего листа, независимо от его размера. Все события во время работы переживаются эмоционально: и удачно положенный мазок, и затек краски, и необычный акварельный эффект, полученный в результате непостижимого для логики стечения обстоятельств.
Можно сказать, что все «случайности» возникают, когда мастер, двигаясь по намеченному сценарию, уверенно «лепит» пространство и творит живопись, не думая об эффектах как таковых. При этом необходима большая концентрация внимания. Увлекаясь восторженными переживаниями акварельных эффектов, нельзя терять задуманный образ. Потерю образа или его отсутствие можно обозначить как «безобразность», что по сути есть «безобразность». Создание образа - это смысл работы художника. Картина должна увлекать зрителя так, чтобы ему хотелось долго рассматривать ее, думать, погружаясь в ее внутреннее пространство, поддаваясь ее магии. Важно не только то, что вы видите, но гораздо важнее то, что вы чувствуете. Это некая реальность в ощущениях. И если это «послевкусие» от увиденной картины остается у зрителя , значит, художник достиг результата, и работа состоялась.
Самый главный «секрет» акварели - это страстное желание достичь результата. Художник, так же как и спортсмен, начавший забег на марафонскую дистанцию, должен думать о достижении цели, не страшась долгого пути.
Испуг, полученный от неудачного результата, надо превращать в полезный опыт ошибок, который в будущем будет компенсироваться радостью владения техникой. Надо только много трудиться и экспериментировать - дорогу осилит идущий.